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Llega la Cosmecéutica Genómica Personalizada

Sepai Gen Decode en Cosmeceutical Center




























El diagnóstico genético es una herramienta que permite determinar las causas genéticas del envejecimiento de la piel y estudiar la predisposición y las posibles tendencias a la inflamación, la deshidratación, la hiperpigmentación…

“Los análisis genéticos nos aportan una valoración clínica integral que ayuda a ofrecer una solución adaptada al cuidado de la piel de cada individuo, con un 100% de precisión, a través del diseño de fórmulas específicas y a medida” explica la farmacéutica Inmaculada Canterla

Cosmeceutical Center (CC) presenta Sepai Gen Decode, un programa basado en la hiper-personalización de la formulación y el tratamiento cosmecéutico, que permite realizar un completo estudio genético con efecto preventivo y reparador, decodificando las causas del envejecimiento de la piel
Gracias a la investigación y a los últimos avances en el estudio del genoma humano, la reconocida marca Sepai ha desarrollado un pionero programa basado en la GenocosméticaSepai Gen Decode, que se presenta como toda una revolución en el sector y está basado en la hiper-personalización cosmecéutica. “Con Sepai Gen Decode podemos identificar la predisposición de un individuo y su tendencia genética a desarrollar los diferentes síntomas del envejecimiento” nos explica Inmaculada Canterla, farmacéutica especialista en Dermocosmética y Medicina Antiaging y Directora de Cosmeceutical Center, “con la interpretación de los datos genómicos y la valoración clínica integral que realizamos a través de este programa, podemos ofrecer una solución única y 100% adaptada al cuidado específico de la piel de cada individuo, con efecto preventivo, reparador y a medida
Entender el Gen Humano como herramienta antiaging
Cuando hablamos de Genocosmética nos referimos al estudio del origen del envejecimiento y las alteraciones que se producen en la piel, fruto de la edad. La última revolución en este campo llega de la mano de la Cosmecéutica Genómica Personalizada” basada en la personalización del tratamiento en base a las alteraciones genéticas (polimorfismos) para prevenir y retrasar los signos del tiempo, adelantándose al proceso de envejecimiento e interviniendo antes de que ocurra. Este enfoque ha inspirado a Sepai ha desarrollar el programa Sepai Gen Decode
Sepai Gen Decode: 
la hiper-personalización del tratamiento cosmecéutico
Con el programa Sepai Gen Decode, el especialista desarrolla una historia clínica para cada paciente que reúne toda la información necesaria para la correcta valoración de las necesidades del individuo, evaluando detalladamente los siguientes condicionantes: el tipo de piel (a través de un estudio genético dónde se seleccionan los polimorfismos asociados con el envejecimiento de la piel), el estilo de vida, las condiciones medio ambientales y la personalidad. Es decir, se estudian todas las variables que inciden sobre la piel sean extrínsecas (medio ambientales) o intrínsecas (estilo de vida y metabolismo).
El protocolo consiste en una primera toma de una muestra de ADN (a través de la saliva) que realiza el especialista, doctor o farmacéutico. A continuación, el experto rellena la historia clínica que se envía al centro de investigación de Sepai en Italia para poder realizar los estudios genéticos.
Como apunta la reconocida farmacéutica, Inmaculada Canterla, especialista en Dermocosmética y Medicina Antiaging “en estos programas el paciente no puede interpretar por si solo la información por lo que es necesario recibir la explicación de los resultados, a nivel clínico, por parte de un farmacéutico o médico formado en biología molecular”.
Precio Programa Sepai Gen Decode: a partir de 590€

Más información sobre estos tratamientos:

  • Cosmeceutical Center
  • Calle Jesús de la Vera-Cruz, 27
  • 41002 Sevilla
  • Teléfono: 673 37 53 57
  • Más información: www.cosmeceuticalcenter.com


En diciembre llegan a Puerto Vallarta las ballenas jorobadas: visitantes distinguidas del invierno



Puerto Vallarta, Fideicomiso de Turismo

Una experiencia que ningún viajero debe perderse, porque debería hacerse al menos una vez en la vida, es la observación de las ballenas jorobadas, también llamadas “yubartas”, una de las especies más grandes del mundo, que llegan a Puerto Vallarta desde las gélidas aguas del Norte del continente, en el mes de diciembre, donde permanecen durante el invierno. ¿Te apuntas?

El encuentro con esta especie es muy emotivo, ya que aun con sus grandes dimensiones se trata de un ser sumamente inteligente, sensible y con una gran movilidad ,pues una de sus características es el realizar grandes saltos acrobáticos a lo largo y ancho de la bahía de Banderas.

La bióloga Astrid Frisch Jordán, directora de la asociación Ecología y Conservación de Ballenas (Ecobac), informó que una ballena adulta llega a medir de 15 a 19 metros de longitud y tiene un peso aproximado de 36 toneladas.




Estos hermosos animales, relató, viajan por todos los océanos y mares del mundo; normalmente migran hasta 25 mil kilómetros cada año. La ballena jorobada vive durante el verano en las regiones polares y migra a aguas tropicales como las costas de Jalisco entre los meses de diciembre a marzo, para llevar a cabo su ritual de reproducción en ciertos selectos lugares como la bahía de Banderas que comparten Puerto Vallarta y la Riviera Nayarit.

Comentó que durante su estancia en las aguas de la bahía estos cetáceos son vistos en sus rituales de apareamiento y dando grandes saltos en el agua. Todo aquel que tiene la oportunidad de ir a observarlas se lleva consigo un recuerdo inolvidable y seguramente algunas fotografías de uno de los animales más grandes del planeta.

En el recorrido de avistamiento, los visitantes son testigos del canto de las ballenas, sus saltos, aleteos, coletazos y juegos con sus crías, lo que se convierte en una experiencia única e inolvidable.

EL LUGAR PERFECTO




Tras un año de gestación, las ballenas jorobadas vienen a México para tener a sus crías y entrenarlas, y las que no están preñadas viajan para aparearse. Ellas encuentran las aguas de la bahía con un clima perfecto para que sus ballenatos nazcan y crezcan fuertes antes de regresar hacia el norte del continente donde se enfrentan a las inclemencias del tiempo y a depredadores naturales como las orcas.



Gracias a la fotoidentificación, en años anteriores se ha contabilizado una población cercana a las 300 ballenas; lo cierto es que a partir de este mes al visitar Puerto Vallarta se vuelve imprescindible hacer una salida a navegar por las aguas de la bahía de Banderas, ya que muy probablemente en cualquier momento una yubarta puede salir a saludar con un enorme salto dejando un momento especial e imborrable para quienes la observan.




Los recorridos guiados de avistamiento de ballenas se inician el 10 de diciembre y terminan a finales de marzo; se hacen a bordo de embarcaciones diseñadas para observarlas desde lanchas pequeñas hasta embarcaciones mayores con alimentos y bebidas incluidas.

Las salidas son diarias en las instalaciones del puerto regularmente a partir de las 8 de la mañana en las diferentes opciones, los recorridos duran aproximadamente de cuatro a seis horas.




Más informes sobre la actividad y tours para el avistamiento en:

http://www.ecotoursvallarta.com/es/

http://www.ecoexplorer.com.mx/

http://www.vallarta-adventures.com/

www.visitapuertovallarta.com.mx

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Bvlgari y Roma: Del 30 de noviembre 2016 al 26 de febrero de 2017 en el Museo Thyssen-Bornemisza

 Guy Bourdin. Vogue Paris, 1961 © Estate of Guy Bourdin, 2016



El Museo Thyssen-Bornemisza acaba de presentar Bulgari y Roma, una exposición sobre cómo la arquitectura y el arte de la Roma antigua y moderna han servido de inspiración a los diseñadores de la firma italiana de joyería a lo largo de su historia. Fundada en Roma en 1884, Bulgari ha incorporado desde sus orígenes los rasgos más característicos de la ciudad como hilo conductor, simbólico y artístico de sus creaciones. El Coliseo, la plaza de San Pedro, la escalinata de la plaza de España, las fuentes de Piazza Navona o el Panteón han dado forma durante décadas a collares, pulseras, pendientes y broches realizados en oro o platino y piedras preciosas de múltiples colores: gemas en talla cabujón que recrean las características cúpulas del paisaje romano, diseños geométricos reflejo de las líneas puras de las ruinas o el brillo del oro que recuerda a las volutas del Barroco son algunos de los detalles que revelan el homenaje de Bulgari a la Ciudad Eterna.

En Adoronews.com nos encanta Roma, y ¿a qué mujer no le gustan las joyas? Esta exposición es una maravilla por si misma, porque nos brinda la posibilidad de ver joyas que pertenecieron a las grandes actrices y hasta un fantástico collar de la propia baronesa. Además va acompañada de piezas de arte soberbias... Razones por sí mismas e independientes, para no perdérsela.




Más de 140 piezas, más de 130 años de historia

Collar y pendientes de oro con zafiros azules y amarillos, perlas cultivadas y diamantes, 1988. Colección privada de la baronesa Carmen Thyssen-Bornemisza.

Para poner de manifiesto esta estrecha vinculación, la de la firma con Roma, la muestra reúne más de 140 piezas de joyería de la Colección Heritage de Bulgari -entre las que se encuentran piezas que pertenecieron a Elizabeth Taylor y a Anna Magnani- y de algunas colecciones particulares, como la de la Baronesa Thyssen, junto a una treintena de pinturas, dibujos, esculturas y fotografías de diversos artistas europeos que han inmortalizado la ciudad de Roma en su obra, como Canaletto, Gaspar van Wittel, Ippolito Caffi o Arthur John Strutt.  Estas obras proceden en su mayoría del Museo de Roma (Palazzo Braschi), pero también de la Galería Borghese, de los Museos Capitolinos y de las colecciones del Banco Intesa San Paolo y del Círculo de la Caza.

1 Collar de plata, Sotirio Bulgari, 1880. Colección Heritage de Bulgari, Roma.


Con un cuidado montaje que incluye elementos interactivos, Bulgari y Roma permite además realizar un viaje por los más de 130 años de historia de la firma, desde los adornos y accesorios  realizados artesanalmente en plata a finales del siglo XIX por su fundador, Sotirio Bulgari, o las piezas de platino y diamantes de las décadas de 1920 y 1930 que seguían todavía las pautas de la joyería francesa, hasta las creaciones más actuales, incluyendo joyas espectaculares de las colecciones icónicas de la casa, como son Serpenti, Monete, Parentesi o BVLGARI BVLGARI.

Todo ello permite definir los volúmenes redondeados, la utilización de colores poco convencionales o la predilección por el oro amarillo en determinadas décadas, como algunos de los rasgos más característicos de su estilo.

Capturar la eternidad: Roma en el diseño de Bulgari


Ippolito Caffi. El Coliseo, 1847. Óleo sobre lienzo, 35 x 58 cm. Museo di Roma, Palazzo Braschi, Roma.

Con sus impresionantes vestigios del Imperio Romano, sus amplias plazas, su imponente arquitectura barroca con sus innumerables fuentes y sus magníficas basílicas, la ciudad de Roma ha sido fuente de inspiración para artistas e intelectuales de todos los tiempos. Las creaciones de Bulgari, en palabras del nieto de su fundador, Paolo Bulgari, “son un recorrido por las obras maestras italianas en las que se inspiran”. Un recorrido que empieza por uno de los monumentos más emblemáticos de la ciudad, retratado por numerosos artistas y cuya inconfundible forma ovalada acabará convirtiéndose en una de las señas de identidad el diseño Bulgari: el Coliseo. Lo vemos ya en un brazalete de 1934 que combina diamantes con piedras de un solo color, el rojo de los rubíes. Se trata de una joya que mantiene el estilo geométrico y art déco predominante en las primeras décadas del siglo XX, pero que muestra un uso temprano de la talla cabujón, que confiere a la piedra una forma redondeada; una técnica revolucionaria en aquel momento, que iría posteriormente desarrollándose hasta convertirse en la principal y más apreciada del estilo Bulgari.

La elíptica fue también una de las formas predilectas de los grandes arquitectos del Barroco italiano para dar movimiento a construcciones y espacios urbanos, desplazando progresivamente a la clásica forma circular. La columnata y la plaza de San Pedro, diseñadas por Bernini como un inmenso lugar de acogida en el que las columnas envolvían y guiaban a los peregrinos hasta la iglesia, dio origen a una serie de broches en la década de 1930, todavía de influencia art déco pero con piedras redondeadas que realzan su diseño arquitectónico. Más tarde, en las décadas de 1970 y 1980, la firma volvió a emplear el óvalo en piezas realizadas en oro combinado con diversas piedras preciosas.


Giuseppe Vasi. Plaza de San Pedro (1774),
Museo di Roma, Palazzo Braschi, Roma.

Gargantilla de oro con rubíes, zafiros, lapislázuli y
diamantes (1979). Colección Heritage de Bulgari, Roma


Ippolito Caffi. Piazza del Popolo, 1843-1857. Acuarela, 44 x 59 cm. Museo di Roma, Palazzo Braschi, Roma.


Un anillo en platino con perlas naturales y diamantes de 1963 recrea el inconfundible perfil de las iglesias gemelas de la Piazza del Popolo, diseño igualmente de Bernini, cuya imagen era una las primeras que contemplaban los mandatarios y peregrinos que accedían a Roma a través de la emblemática plaza. La confluencia en este punto de la Vía del Corso, la más antigua de la ciudad, Vía Ripetta, que conduce hacia la basílica de San Pedro, y la Vía del Babuino, hacia Santa María la Mayor, configura un entramado de calles conocido como el Tridente por su característica forma en abanico adentrándose en la ciudad; un peculiar diseño que reproduce el collar convertible en broche, realizado en 1955 en oro y platino con tres filas de rubíes y un delicado lazo de diamantes.

Otra de las más emblemáticas plazas de Roma es, sin duda, la Piazza Navona. Ubicada en el antiguo emplazamiento del estadio de Domiciano (siglo I d.C.), la belleza barroca de este espacio se reproduce en la forma alargada de un broche de 1934, en el que destacan tres diamantes de grandes dimensiones, con una disposición similar a las famosas fuentes que adornan la plaza: la de los Cuatro Ríos en el centro, diseñada por Bernini, flanqueada a ambos lados por las fuentes del Moro y de Neptuno.



París, 11 de noviembre de 1962. Exposición de Bulgari en la Embajada Italiana en París. Claudia Cardinale lleva en el evento un collar en platino y diamantes en talla baguette con un óvalo central de diamantes de 66 cts, 1955. Credit: Olycom.


Gian Lorenzo Bernini fue también el primero en proponer un diseño cóncavo y convexo para la pared de la doble escalinata de la plaza de España, aunque el proyecto final lo llevaría a cabo más adelante otro arquitecto. Las líneas curvas de esta famosa escalera, recientemente restaurada gracias al patrocinio de Bulgari, inspiraron la creación en 1938 de un collar de platino y diamantes que puede transformarse en dos pulseras, dos broches alargados y otros dos más pequeños, típico ejemplo de la joyería convertible de la década de 1930. En 2016, una nueva joya recoge la inspiración de la escalinata: un collar en oro con esmeraldas, rubíes, zafiros y diamantes que evocan las azaleas que la decoran en primavera.


 Collar de oro con esmeraldas, amatistas, cuarzos, turmalinas rosas, zafiros y diamantes, 1991. Colección Heritage de Bulgari, Roma.



El puente de Sant’Angelo fue durante varios siglos el único enlace entre las dos orillas del Tíber. Lo mandó construir el emperador Adriano para unir el Campo de Marte con su mausoleo, convertido posteriormente en dependencias papales y en prisión, y hoy conocido como el castillo de Sant’Angelo. En el siglo XVII Bernini diseñó las diez figuras de ángeles que adornan los paramentos del puente, esculturas que inspiraron el diseño en 1938 de una pareja de pendientes de platino y diamantes. Del mismo modo, la forma pentagonal del Castillo se recrea en un suntuoso collar de 1991, con las gemas dispuestas simétricamente sobre una base de oro y con elementos distintivos del estilo Bulgari, como su llamativa combinación de colores y el uso creativo de las piedras preciosas para adaptarlas al diseño de la pieza, con partes redondeadas y otras angulares.


Modelo con un collar de Bulgari en oro con esmeraldas, rubíes y diamantes (c.1970). Fotografía: Gianni Penati-Condenast America.


Desde la antigua Roma hasta el Barroco, la forma octogonal está presente en numerosos monumentos romanos, sobre todo en los artesonados de los palazzi. El interés de Bulgari por las formas geométricas convirtió al octógono en el marco ideal para los colgantes de grandes dimensiones de la década de 1970, normalmente iluminados por una gran gema central, que podían lucirse de forma independiente como broches o junto a collares de largas cadenas. Un magnífico ejemplo es el collar de platino con zafiros y diamantes que perteneció a Elizabeth Taylor, regalo de Richard Burton en 1972 por su 40 cumpleaños. Por su parte, la decoración de la espectacular cúpula del Panteón ha inspirado la creación de varias piezas, como un collar en oro y diamantes de 1992 que recuerda esta característica geometría, con sus filas de diamantes en talla baguette.


Collar Parentesi de oro con diamantes, 1982. Colección Heritage de Bulgari, Roma.


Una serie de broches de finales de la década de 1980, con un patrón concéntrico en varios colores, rinde homenaje a la ingeniosa simetría del templo de Venus y Roma, mandado construir y diseñado por el emperador Adriano, con dos ábsides contrapuestos que comparten la misma pared donde se situaban las estatuas de Venus Felix y Roma Aeterna. Una arquitectura que sigue el modelo del juego de palabras AMOR – ROMA: la misma palabra leída en sentidos opuestos que, al igual que el templo, permitía adorar en una dirección al amor (Venus) y a Roma en la opuesta.


Collar y pendientes de oro con diamantes, 1992. Colección Heritage de Bulgari, Roma.


Tras la conquista de Egipto, los emperadores romanos llevaron a la ciudad algunos de sus obeliscos como demostración de la superioridad de su civilización sobre el pueblo egipcio. Los jeroglíficos que los decoran han inspirado el diseño de collares desde la década de 1970, con incrustaciones realizadas en nácar o cornalina.



Otros collares y brazaletes, en los que se entremezclan piedras preciosas de diversos colores y tamaños, recrean la característica disposición de piedras de distintas formas y medidas con las que los romanos construyeron sus carreteras, como la famosa Vía Apia. Entre ellos, un collar en oro con amatistas, peridotos, aguamarinas y diamantes de 2003; una pulsera de oro amarillo con topacios, amatistas, cuarzos, peridotos y turmalinas de 2013, y otro collar en oro con zafiros azules y amarillos, perlas cultivadas y diamantes realizado en 1988.

Pendientes de platino con diamantes, 1938.
Colección Heritage de Bulgari, Roma




Pulsera de oro con topacios, amatistas, cuarzos,
peridotos y turmalinas (2013). Colección Heritage
de Bulgari, Roma


La inmensa estrella circular que decora el pavimento de la plaza del Campidoglio se finalizó en 1940, a pesar de tratarse de un proyecto original de Miguel Ángel que empezó a construirse en el siglo XVI. Este característico diseño se reinterpretó en 1955 en una pareja de broches de platino, rubíes y diamantes que pertenecieron a Anna Magnani, quien solía lucirlos junto con los pendientes “Tridente”, reafirmando de esta manera sus raíces romanas.

Bulgari, de joyería a imperio



Polvera de plata con moneda de oro de Baviera (1410-1436), 1940. Colección Heritage de Bulgari, Roma.

Descendiente de una familia griega de orfebres, Sotirio Bulgari, fundador de la firma, viajó a Italia a finales del siglo XIX y ya en 1884 abrió su primera tienda en Roma. En 1905 inauguró la actual sede de la casa, en el número 10 de Via Condotti, donde años después terminó por concentrar toda su actividad. De sus seis hijos, Giorgio y Constantino fueron los que más se involucraron en el negocio, haciéndose cargo de él tras su fallecimiento, en 1932. Dos años más tarde reinauguraron la tienda tras una gran reforma y cambiaron definitivamente el nombre a BVLGARI, en mayúsculas y con la tipografía de las inscripciones de la antigua Roma.





Los dos hermanos optaron entonces por alejarse de la escuela francesa de joyería - predominante en aquella época y caracterizada por el uso del platino y los diamantes dispuestos en diseños geométricos- y comenzaron a unir los diamantes con piedras preciosas de distintos colores y de talla cabujón, toda una revolución en el diseño de joyas.


Reloj Bvlgari Roma de oro con correa de cordón y cuero, 1975. Colección Heritage de Bulgari, Roma.


El período de posguerra supuso un resurgir comercial que favoreció la experimentación estilística de Bulgari, sobre todo en cuanto al uso del color, y en los años cincuenta comenzaron a introducirse combinaciones cromáticas sin precedente, que serían cada vez más atrevidas en las décadas posteriores. Con el auge de la dolce vita romana, la firma se dio a conocer entre actrices y protagonistas de la jet set italiana e internacional, lo que llevó el nombre de la marca por todo el mundo. Cuando fallecieron Giorgio y Constantino en 1966 y 1973 respectivamente, los hijos de Giorgio, Paolo y Nicola, ya formaban parte de la empresa y dirigían activamente el negocio y su producción creativa. La década de 1970 significó la primera fase de la expansión internacional de la casa, con la apertura de tiendas en Nueva York, Ginebra, París y Montecarlo. En 2011, Bulgari se unió al grupo de lujo LVMH (Louis Vuitton Moët Hennesy).

Coincidiendo con la celebración de su 125 aniversario, en 2009, comenzó la organización de diversas exposiciones retrospectivas que han llevado las creaciones de Bulgari por ciudades como Roma, París, Pekín, Tokio o Shanghái, aunque es en Madrid donde se muestra por primera vez la estrecha vinculación de sus diseños con el arte y la arquitectura de Roma, una relación que llevó también a la firma a financiar en 2014, año de su 130 aniversario, la restauración de la emblemática escalinata de la plaza de España, recientemente inaugurada.




Ingrid Bergman en el set de La visita
(1964), con joyas de Bulgari.
Fotografía: Alinari

La influencia de Roma en la leyenda de Bulgari y sus inconos


FICHA DE LA EXPOSICIÓN:

Título: Bulgari y Roma

Organizador: Museo Thyssen-Bornemisza, en colaboración con Bulgari

Sede y fechas: Madrid, Museo Thyssen-Bornemisza, del 30 de noviembre de 2016 al 26 de
febrero de 2017

Comisaria: Lucia Boscaini, directora del Departamento de Legado Histórico de Bulgari

Coordinadora: Laura Andrada, Área de Conservación del Museo Thyssen-Bornemisza

Número de obras: 149 joyas y 38 obras

Publicaciones: Catálogo con textos de Bulgari, publicación digital en la app Quiosco Thyssen y
app Bulgari y Roma

INFORMACIÓN PARA EL VISITANTE:

Museo Thyssen-Bornemisza

Dirección: Paseo del Prado, 8. 28014, Madrid. Salas Moneo, planta -1

Horario: de martes a viernes y domingos, de 10 a 19 horas; sábados, de 10 a 21.

Entrada única: Colección permanente y exposiciones temporales:

- Entrada general: 12 €

- Entrada reducida: 8 € para mayores de 65 años, pensionistas, estudiantes previa acreditación
y familias numerosas

- Entrada gratuita: menores de 12 años y ciudadanos en situación legal de desempleo


Venta anticipada de entradas en taquillas, en la web del Museo y en el 902 760 511

Más información: www.museothyssen.org

Audio-guía, disponible en varios idiomas



La influencia de Roma en la leyenda de Bulgari y sus iconos

París, 11 de noviembre de 1962. Exposición de Bulgari en la Embajada Italiana en París. Claudia Cardinale lleva en el evento un collar en platino y diamantes en talla baguette con un óvalo central de diamantes de 66 cts, 1955. Credit: Olycom.


“Cuando Sotirio Bulgari llegó a Roma en busca de fortuna, jamás se habría imaginado que
fundaría una empresa de alcance internacional. En aquella época, Roma ofrecía innumerables
oportunidades de negocio y culturales.

(…) En 1884, inauguró su primera tienda en el número 85 de la Via Sistina. (…) En 1894, abrió otra tienda en el número 28 de la Via Condotti, cuyo letrero rezaba: «S. Bulgari – Argenteria Artistica, Antiquités, Curiosités, Bijoux». En ella vendía una amplia variedad de artículos, desde joyas hasta accesorios de plata, antigüedades y baratijas. A medida que triunfaba el negocio, fue adquiriendo locales de mayores dimensiones y prestigio, como el del número 10 de la Via Condotti, en la planta baja del Palazzo Lepri, del siglo XVII. En 1905 se inauguró esta célebre
tienda, que aún en la actualidad sigue siendo la referencia de todos los locales de Bulgari en el
mundo. El letrero original rezaba «Old Curiosity Shop», para atraer la atención de los turistas
británicos y estadounidenses acaudalados que visitaban Roma. Bajo los auspicios de Giorgio
Bulgari, el catálogo fue ampliándose para incluir una selección de joyas y accesorios que
interpretaban con destreza las tendencias de la moda de la época, influidas sobre todo por el
art déco y el diseño francés.

En 1934, con la primera gran reforma de la tienda tras la muerte de Sotirio, el letrero se
cambió por «BVLGARI», en mayúsculas y con la tipografía de las inscripciones de la antigua
Roma. En el interior del establecimiento, el generoso uso del mármol y de las columnas
decorativas recordaba claramente el legado cultural romano y griego de la firma. En la década
de los treinta, Bulgari ya contaba con una importante clientela de aristócratas italianos,
diplomáticos y magnates estadounidenses que habían descubierto Roma y el tesoro de la Via
Condotti. Familias nobles italianas de prestigio, como los Colonna y los Torlonia, adquirían
creaciones de Bulgari como preciada herencia para futuras generaciones”.

Los iconos

1. Monete


Collar de plata, Sotirio Bulgari, 1880. Colección Heritage de Bulgari, Roma.

“Según la tradición, fue Creso, rey de Lidia, quien acuñó la primera moneda en el siglo VII a. C.
Hasta el siglo III a. C., los diseños decorativos reproducían deidades locales junto con la
abreviatura del nombre de la ciudad-estado en la que se había acuñado la moneda. Durante el
reinado de Alejandro Magno (336-323 a. C.), las monedas estaban decoradas con el retrato del
mandatario, lo que las convertía en una importante herramienta de propaganda. (…) A partir
de finales del siglo I d. C., las monedas de oro imperiales comenzaron a engastarse en joyas
para convertirse en la pieza central de anillos, broches y collares, que portaban emperadores y
sus seguidores como señal de poder y prestigio. Esta práctica fue habitual hasta el siglo VII d.
C. y resurgió en la segunda mitad del siglo XIX, alentada por los numerosos descubrimientos
arqueológicos de la época. Como consecuencia de esta tendencia, en los años treinta y
cuarenta del siglo XX, Bulgari engastó monedas antiguas en objetos preciosos como pitilleras y
polveras. Bajo los auspicios de Nicola Bulgari, apasionado coleccionista de monedas, a
mediados de los sesenta la firma comenzó a engastarlas también en sus joyas, rodeándolas de
un marco moderno y depurado. Se trató de una auténtica constatación de los orígenes griegos
de la firma, combinados con el estilo de Roma, y la confirmación de la importancia concedida a
la cultura. (…) Bulgari comenzó a emplear monedas cada vez más diversas, con ejemplares de
bronce, plata, oro y electro de las antiguas culturas del Mediterráneo, Europa, norte de África
y América, de un periodo que abarcaba del siglo v a. C. al siglo XX.

Polvera de plata con moneda de oro de Baviera (1410-1436), 1940. Colección Heritage de Bulgari, Roma.


El criterio para seleccionar las monedas era siempre su belleza intrínseca. Las preferidas eran
aquellas con el busto, sobre todo de perfil, de la diosa Roma con armadura, Alejandro Magno,
Medusa, Atenea, Aretusa y los césares. Solían emplazarse en el centro de engastes simples o
dobles de oro y se empleaban en una amplia variedad de joyas, desde anillos y collares hasta
pendientes y pulseras. El denominador común de las joyas adornadas con monedas era el
juego de contrastes: entre el acabado mate y desgastado de la moneda antigua y el brillo
pulido y suave del engaste; entre el color del metal de la moneda (bronce, plata, electro u oro)
y el del engaste de oro o acero; y, por último, entre lo antiguo y lo moderno”.

2. Intaglio

“La tradición de las piedras talladas se remonta a Mesopotamia, antes de que se extendiese
durante el periodo helenístico por toda Grecia y, más adelante, por Roma. Las primeras tallas
representaban animales, mientras que a partir del siglo VI a. C. comenzaron a ponerse de
moda las figuras humanas y de dioses. Las gemas que más se empleaban eran, entre otras, el
ónice, el sardonio, el granate, la amatista, el cuarzo y la cornalina (un cuarzo anaranjado). Los
comerciantes más poderosos del Imperio Romano lucían anillos de piedra tallada para firmar
sus documentos estampándolos en un sello de cera caliente. En la Edad Media, se empleaban
las piedras talladas para decorar obras votivas y cubiertas de libros, mientras que el
Renacimiento fue testigo de un resurgimiento progresivo que alcanzó su momento culminante
en el siglo XVI, con una producción en masa de tallas y camafeos de corte clásico”.

3. Serpenti

Reloj joya Serpenti de oro con esmalte negro, esmeraldas y diamantes, 1975. Colección Heritage de Bulgari, Roma.


“La fertilidad, la curación y el renacer: desde la Antigüedad, la serpiente ha estado asociada
con distintos significados de lo más fascinantes. En Grecia y Roma, la serpiente estaba
vinculada al mito de Hércules. (…) También era el animal preferido de Escolapio, el dios de la
medicina; además, en su representación como uróboros, la serpiente que se muerde la cola, es
un símbolo de energía universal que no deja de consumirse y renovarse constantemente.

Bulgari fue uno de los joyeros del siglo XX que retomó el diseño milenario de la serpiente y lo
convirtió por primera vez en un reloj. Los primeros ejemplos datan de finales de los años
cuarenta, con una forma de serpiente muy estilizada y una esfera rectangular o cuadrada que
se situaba en uno de los extremos, como si fuera la cabeza del reptil; los anillos se
confeccionaban con la técnica de tubogas o con una malla dorada que envolvía la muñeca.
Posteriormente, este reloj se fabricó en versiones cada vez más diversas e interesantes, con
todas las formas posibles de esfera y en innumerables variaciones de tubogas, como acero,
acero carbonizado y acero y oro combinados. El mecanismo de los relojes era siempre de la
máxima calidad: Audemars Piguet, Jaeger LeCoultre, Movado, y Vacheron Constantin solían
personalizar los mecanismos para Bulgari, de modo que el logotipo del fabricante figuraba
junto al de Bulgari en la esfera. 

En la década de los sesenta aparecieron los primeros modelos con una interpretación más realista de la serpiente (…) inicialmente solo en oro amarillo, con la cabeza y la cola incrustadas de diamantes. (…) Con el paso de los años, el diseño fue transfiriéndose a collares, bolsos-joya Melone y cinturones”.

4. Bvlgari Bvlgari

Reloj Bvlgari Roma de oro con correa de cordón y cuero, 1975. Colección Heritage de Bulgari, Roma.

“El reloj BVLGARI BVLGARI se puso a la venta a raíz del gran éxito de un reloj digital de edición
limitada con la inscripción «BVLGARI ROMA» grabada en el bisel, que se entregó únicamente a los cien mejores clientes de la marca como regalo de Navidad en 1975. En cuanto se supo de
su existencia, la firma recibió innumerables solicitudes para que recrease el reloj digital BVLGARI ROMA. Sin embargo, en su lugar puso a la venta otro reloj de oro amarillo de edición
limitada, disponible exclusivamente en la tienda de Roma. En 1977, la pasión de los clientes
por este modelo dio origen al reloj BVLGARI BVLGARI, uno de los diseños más emblemáticos de la historia de la relojería. El logotipo BVLGARI BVLGARI grabado se integró como importante
elemento del diseño por primera vez en un reloj de lujo, rasgo que le otorgó su fama. (…) La
inspiración procedía de antiguas monedas romanas, en las que la efigie del emperador estaba
rodeada de inscripciones que ensalzaban su poder y su prestigio. También era destacable el
volumen sin precedentes de la caja cilíndrica del BVLGARI BVLGARI, inspirada una vez más en
las imponentes columnas de los templos romanos: un detalle en apariencia sencillo que, en
realidad, fue resultado de un estudio arquitectónico muy meticuloso. (…) En consonancia con
el gusto de Bulgari por la experimentación, el reloj BVLGARI BVLGARI se presentó más adelante
en una mayor variedad de versiones y tamaños. Se diseñó en oro blanco y amarillo de 18
quilates, en platino y en acero, con esfera de piedra o de diamantes, y con pulsera de oro o de acero. Algunos modelos incluían función de cronógrafo, mientras que otros contaban con una
amplia variedad de pulseras de tubogas”.

5. Parentesi

Collar Parentesi de oro con diamantes, 1982. Colección Heritage de Bulgari, Roma.


“En la década de los ochenta, Bulgari se percató de que había llegado el momento de que la joyería se adaptase al estilo de vida dinámico de la mujer moderna trabajadora y perteneciente al mundo empresarial, que adquiría joyas para sí misma con el fin de lucirlas desde por la mañana hasta por la noche, en una reunión o en un cóctel. La solución fue la joyería modular Parentesi, inspirada en los adoquines entrelazados de las calles de Roma. El concepto de modularidad era tan sorprendente como sencillo: cada elemento individual —con un diseño y una fabricación de la máxima calidad— se producía en serie, se acababa a mano y se unía a otro de los elementos. Este método alterna el oro de los módulos con elementos de conexión de acero, hematites, coral, nácar o piedras semipreciosas, y se ha convertido en una de las colecciones icónicas de Bulgari, con una versatilidad sin fin”.

Carolina Herrera celebra sus 35 años en la moda



Carolina Herrera cumple 35 años en el mundo de la moda. Una trayectoria de éxito profesional que ha querido celebrar con la publicación de un libro. ‘Carolina Herrera. 35 years of fashion’ repasa la carrera de la diseñadora desde sus inicios en los años 80.



Madrid, una segunda casa para la diseñadora, ha sido el escenario escogido para presentar el libro a nivel internacional. La periodista y presentadora Ana García Siñeriz ha sido la encargada de conducir el acto, que ha contado con la presencia del presidente ejecutivo de Puig, Marc Puig.



Bajo la dirección artística de Fabien Baron, el libro recoge material editorial de reconocidos fotógrafos, estilistas y editores, así como textos de la reconocida redactora de moda J.J. Martin. Además, incluye dos colecciones de fotografías, creadas exclusivamente para este libro, que reinterpretan looks de archivo a través de una mirada actual.



El Embajador de Estados Unidos en España, James Costos, ha homenajeado a la diseñadora con un cóctel en su residencia al que han asistido numerosas personalidades del mundo de la moda y la cultura. La modelo internacional Karlie Kloss no ha querido faltar a la celebración de 35 años de elegancia y sofisticación.




   

Elegir la talla correcta del sujetador... tiene sus secretos



Marta Fernández Cuevas, la creadora del primer sujetador antiarrugas del mercado nos muestra 4 pasos claves para determinar la correcta

-EL 70% DE LAS ESPAÑOLAS USAN UNA TALLA INCORRECTA DE SUJETADOR

-ROZADURAS, DOLORES DE ESPALDA Y CABEZA Y DIFICULTAD PARA RESPIRAR SON ALGUNOS DE LOS PROBLEMAS QUE PUEDE OCASIONARNOS



Hay pocas prendas en las que dar con la talla correcta influya tanto a nivel de efectividad como con el sujetador, nos cuenta la patronista y creadora del novedoso sujetador para Dormir Pillow Bra, Marta Fernández Cuevas.





La efectividad del sujetador pasa con conseguir la talla correcta, algo en lo que, según los estudios, fallamos un 70% de las mujeres… e in crescendo, en parte,  por ‘culpa’ del actual auge de la tendencia lencera.

Una tendencia muy sexy, femenina y que, bien construida, incluso puede resultar tremendamente elegante, pero que tiene una cara B: seleccionar el sujetador únicamente por criterios estéticos (material, tipo, color, hechura más favorecedora, etc.) hace que aumente el número de casos en que no se atina con la talla del mismo.  Una cuestión que, si bien en otras prendas lenceras no resulta relevante  (llevar una talla más grande o pequeña de camisón-vestido es una cuestión sólo de gusto y comodidad), en el caso de sujetadores y corsés es un factor que influye totalmente en la funcionalidad de la prenda.

Por desgracia  se está perdiendo la perspectiva real de la importancia para la estética y la salud que tiene esta prenda. El sujetador se ve cada vez más como una prenda eminentemente ‘decorativa’, a lo que contribuye la tendencia lencera… falta de formación especializada de los vendedores de lencería.

El tamaño importa





Un estudio realizado en el 2010 por la Universidad de Barcelona corrobora que la percepción de  Marta es correcta: según sus datos, nada menos que un 70% de las mujeres españolas utiliza una talla de sujetador equivocada. Algo que, según advierten los médicos, además de problemas estéticos  (como marcas bajo los senos o rozaduras) puede derivar en dolores de espalda, hombros y pecho, e incluso repercutir en el agravamiento de los dolores de cabeza y provocar dificultades respiratorias.

Un sujetador pequeño, que oprime el pecho y/o con aros que se ‘clavan’, puede llegar a dañar los ligamentos mamarios y acelerar la flacidez>>, explica  Marta Fernández Cuevas, creadora de Pillow Bra quien, tras informarse con numerosos especialistas.

Dar con la talla perfecta

Marta explica que la primera norma para dar con el tamaño idóneo, pasa por aprender a distinguir entre talla y copa.

Puede sonar a obviedad,  pero lo cierto es que más del 90% de nuestras nuevas clientas nos demuestra que no lo tienen realmente claro>> explica la Marta  quien aclara que: <>.

“Forma correcta de medir la talla – Forma de tomar medidas de la copa

Así, hay 4 PASOS CLAVE PARA PARA DAR CON EL  TAMAÑO Y POSICIÓN IDEAL DEL SUJETADOR:

-El primero es determinar la talla (los famosos, 80, 85, 90, etc.). que, como se ha dicho, se refiere sólo a la medida del tórax sin contar con la proyección de los senos: es decir, el contorno bajo los pechos (IMÁGEN 1). < >.

 -El segundo paso será determinar cual es nuestra copa (A, B, C…): <>.  A mayor volumen  de proyección, mayor letra: < >, detalla Marta

 -En tercer lugar, si se opta por un sujetador con aros, una cuestión clave, es calcular el perímetro de la base de los senos: <>.

-La cuarta cuestión son los tirantes, que en la gran mayoría de los modelos son ajustables, pues cada mujer tiene el pecho a una altura: <>.

Pero, además nuestra talla de sujetador es variable: << los cambios hormonales y las fluctuaciones de peso (embarazos, dietas, cambios metabólicos, etc.) hacen que cambiemos muchas veces a lo largo de nuestra vida de talla. Siempre que haya uno de estos cambios (se engorde, se adelgace, etc.) deberíamos revisar nuestras medidas y cambiar de sujetadores>>.

UN SUJETADOR PARA CADA OCASIÓN

El ejemplo clásico son las distintas necesidades que tiene el pecho de una mujer: bien sea gestante, una en el periodo de lactancia, una que no está en estado, etc. Pero también, como explica Marta, <>.

También se debería tener en cuenta a la hora de seleccionar un sujetador idóneo cuestiones como cirugías de pecho (ya sean por estética o por enfermedades). Es decir, en conclusión: <>.
Y eso sólo si hablamos del modelo básico de uso diario… Porque hay actividades ‘especiales’ que requieren su propio sujetador ‘especial’.

FONTO DE ARMARIO BÁSICO DE SUJETADORES

un buen fondo de armario lencero, según la experta, debería incluir:
-un modelo deportivo adaptado al tipo de ejercicio,
-otro más específico para ayudar a un vestido de noche a que siente bien
-y, por último, un Pillow Bra para cubrir uno de los momentos más importantes: el descanso y el sueño.

¡Pues toca revisar nuestro fondo de armario!

La Exposición ‘Sorolla en París’ llega a España

Joaquín Sorolla, Cosiendo la vela, 1896.

  • Del 24 de noviembre 2016 al 19 de marzo 2017, en la Casa Museo del Pintor en Madrid, C/Paseo General Martínez Campos, 37 Madrid
Llega precedida por el éxito en Alemania, con más de 175.000 visitantes, y en Francia, expuesta en el Musée des impressionnismes de Giverny hasta el 6 noviembre.

El Ministerio de Educación Cultura y Deporte y la Fundación Museo Sorolla, traen a Madrid la muestra temporal ‘Sorolla en París’ del 24 de noviembre al 19 de marzo. Un recorrido por la historia de su reconocimiento internacional, desde su primer viaje a París hasta su consagración como gran pintor de las élites de su tiempo.

Joaquín Sorolla, El bote blanco, Jávea, 1905. Colección particular.

Visitará la Casa Museo del pintor tras la gran acogida en el Kunsthalle de Munich, donde se han superado los 175.000 visitantes y se han vendido 5.000 catálogos en alemán, agotándose la edición antes de la clausura; y en el Musée des impressionnismes de Giverny.
Comisariada por Blanca Pons-Sorolla y María López Fernández, es la primera muestra internacional de estas dimensiones que acogerá su Casa Taller. Compuesta por 66 pinturas de las cuales 35 pertenecen al Museo, y las demás a colecciones particulares e instituciones culturales de 6 países: Museo Ca'Pesaro, Venecia (Italia); Bellas Artes de Bilbao (Bilbao); Colección Bancaja y Diputación de Valencia (Valencia); Museo Carmen Thyssen (Málaga); Museo de Pau (Francia); Hispanic Society de Nueva York (EE.UU); Museo de Filadelfia (EE.UU); Museo de Bellas Artes de Cuba (Cuba). Un mosaico que ofrecerá la oportunidad de ver, por primera vez, algunas obras del autor nunca antes expuestas.


Joaquín Sorolla, Elena entre rosas, 1907. Museo Bellas Artes de La Habana.


Exposición ‘Sorolla en París’: del 24 de noviembre 2016 al 19 de marzo 2017 Museo Sorolla: C/Paseo General Martínez Campos, 37 Madrid Museo Sorolla


Joaquín Sorolla, Fin de jornada, Jávea, 1900. Colección Particular

Museo Sorolla: el resultado de una Historia de Amor y Generosidad


Joaquín Sorolla. Clotilde con traje gris, 1900. Museo Sorolla. 

“El gesto de Clotilde fue además profundamente inteligente: de no ser por su amplitud de miras, la obra de Sorolla, repartida en numerosas colecciones particulares, no sería hoy fácil de conocer. La fama fue el último regalo de Clotilde a Sorolla.” Dña. Consuelo Luca de Tena, Directora del Museo Sorolla


Clotilde García del Castillo fue la musa, esposa, madre de los tres hijos y apoyo incondicional de Joaquín Sorolla… También, la pieza angular de su reconocimiento internacional, desde su primer viaje a París en 1885, hasta su consagración como gran pintor de las élites de su tiempo.


Joaquín Sorolla, Niña, estudio para Verano,1904 . Museo Nacional de Bellas Artes de La Habana


Sorolla fue un hombre muy familiar. Desde los inicios de su carrera, disfruto haciendo obras protagonizadas por su mujer y sus hijos. Su historia de amor comenzó cuando se conocieron en el estudio fotográfico del padre de ella, los dos eran adolescentes y desde entonces no se separaron.

Joaquín Sorolla, Pescadores valencianos, 1895. Colección particular.


Tras el fallecimiento del pintor la decisiva intervención de Clotilde, que en un acto de generosidad donó al Estado español la casa y las colecciones de obras de arte que le pertenecieran, convirtió el hogar familiar en un museo en memoria de su marido.


Joaquín Sorolla. Niños a la orilla del mar, 1903. Museo de Filadelfia. 


Precisamente, su casa museo ha sido el lugar elegido para albergar la Exposición “Sorolla en París” en España del 24 de noviembre al 19 de marzo. Un recorrido por las obras presentadas en sus exposiciones europeas, especialmente en la Capital Francesa, donde fue forjando su propio estilo, hasta llegar a ser considerado como uno de los grandes pintores internacionales del naturalismo. Una oportunidad para ver pinturas del autor nunca antes expuestas.


Joaquín Sorolla. Verano 1904. Museo BBAA de la Habana.

Datos:

-Exposición ‘Sorolla en París’
-Museo Sorolla 
-Paseo General Martínez Campos, 37 
-Madrid


Anécdota:





A mi me encanta la pintura y hace años estuve asistiendo a clases con Concha Márquez. Tengo varios cuadros inspirados en obras de Joaquín Sorolla. Me declaro gran admiradora del pintor valenciano, uno de ellos es precisamente "Niños a la orilla del mar", 1903. Museo de Filadelfia. Que por suerte forma parte de esta exposición.

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